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Exposición Las horas ínfimas de Silvia Díez
Las Horas Ínfimas
El próximo lunes 13 de marzo a partir de las 19.00h, Silvia Díez inaugura “Las horas ínfimas” en Cervecería Basajaun
El horario es de lunes a sábado de 17:00 a 23:00h hasta el 21 de mayo.
“Aquel año me autodestruí mucho más que el resto de los años y, sin embargo, nunca estuve más lleno de vida. Mi madre parecía una planta de interior sacada al balcón. Yo parecía un criminal lobotomizado. Éramos, por fin, una familia”. Tatiana Tibuleac de su libro El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes.
Las horas ínfimas es la regresión de una madre a su temprana juventud para sentir, lo que un periodo de aislamiento provoca en la mente de un hijo, es volver a sentir ese miedo de estar perdido, y no saber si vas a encontrar ese tablón que te haga volver a la superficie.
Habla de cómo, en ese largo periodo de introspección, he podido observar como mi hijo ha tenido que dejar su vida social en reposo justo en uno de sus momentos más decisivos de conformación de su yo. He indagado en cómo me sentiría en ese momento recién estrenado en el amor romántico, ese vínculo apasionado-emocional-sexual de plena efervescencia, cuando solo quieres estar con la persona amada y no precisamente a través de una pantalla.
¿Cuándo realidad y ficción se alinean? ¿Cuándo los sueños son sueños o recuerdos? ¿Qué es realmente la locura? Aislamiento del cuerpo y bullicio constante de la mente, mundo cierto pero incomprensible para el resto, ansiedad producida o fingida, desesperación por no lograr el entendimiento de la sociedad tal y como dicen ha de ser. Ver, sentir y vivir cosas inimaginables para otros.
¿Cuándo esa línea tan fina se traspasa? ¿Cuándo esa lucha contra el enemigo invisible es tu propia cabeza?
Este proyecto es un ínfimo contacto a lo que puede sentir una mente encerrada en un cuerpo y en un espacio por su condición de “ajenos a la realidad”. La locura no es cosa de unos pocos, está más a mano de lo que parece.
Exposición colectiva Rügen
Del 24 de febrero al 7 de mayo en Sala Amarica
“Rügen” es un proyecto fotográfico colaborativo de reflexión e interpretación acerca de un acontecimiento histórico muy concreto: varios de los aviones que bombardearon Gernika despegaron del aeródromo de Salburua.
Esta exposición es un trabajo realizado por 10 fotógrafos y fotógrafas de Vitoria-Gasteiz, tutorizado, dirigido y editado por el fotógrafo David Salcedo.
Una única premisa condiciona el inicio del trabajo, fotografiar en el barrio de Salburua conscientes de que algunos de los aviones que atacaron Gernika despegaron del antiguo aeródromo del lugar. A partir de aquí, y durante 6 meses, los participantes reflexionan acerca de este acontecimiento histórico y sus consecuencias y realizan las fotografías.
En la segunda fase del trabajo se amplían los márgenes de acción pudiendo tomar fotografías fuera del barrio. El proyecto no pretende documentar lo acontecido en el lugar si no interpretarlo. El trabajo culmina con un fin de semana de puesta en común, la selección y edición de las imágenes y la creación de una narrativa visual que da sentido y forma al proyecto “Rügen” que se presenta en la Sala Amárica. El proyecto final consta de un fanzine y de un cuerpo de 25 fotografías.
Actividades cierre Viphoto Fest
Charla con Erik Estany y visita guiada con los colaboradores del proyecto,
el próximo viernes 27 a las 18 h en Sala Amárica
Erik Estany Tigerström nos invita a asomarnos a su ventana en una nueva iteración de su trabajo «Del que passa a fora», esta vez en una exposición individual en la Sala Amárica de Gasteiz comisariada por Jon Uriarte. La muestra se puede visitar hasta el 29 de enero, y se enmarca dentro de Viphoto Fest 2022, organizado por la Sociedad Fotográfica Alavesa. Como cierre de la exposición, el viernes 27 de enero a las 18 h, el autor realizará una charla sobre el proceso de trabajo y una visita guiada a la exposición con la participación de los distintos colaboradores del proyecto. La charla y la visita también se podrán seguir en directo a través de las redes de Viphoto Fest.
La muestra expuesta en la Sala Amárica se acompaña de una publicación editada para la ocasión. Como parte de la exposición, también se ha desarrollado una pieza online, consistente en un texto generado, automáticamente y en tiempo real, por una red neuronal entrenada con todos los textos realizados en relación con el proyecto, que a su vez sirve de detonante para reproducir las fotografías y vídeos del trabajo. La pieza ha sido realizada en colaboración con el colectivo Estampa.
«Del que passa a fora» reflexiona sobre cómo vemos el mundo hoy, o sea, sobre como las tecnologías de visualización actuales configuran nuestra percepción de la realidad y la realidad misma. Estany utiliza una amplia variedad de herramientas a su alcance para explorar las posibilidades y condiciones de la imagen, así como su influencia en aquello que entendemos como real, y nos invita a vislumbrar los efectos que el complejo y acelerado desarrollo de la tecnología, la vida online y la visión computacional están provocando.
Todas las imágenes del trabajo tienen como punto de partida una ventana, desde donde el autor fotografía de forma compulsiva la cotidianidad de una calle cualquiera. Tras esa ventana inicial, las imágenes circulan a través de una concatenación de marcos, como las pantallas de la cámara, el ordenador y el teléfono móvil, y las ventanas de los programas de estos dispositivos, donde son editadas, y analizadas por herramientas de visión computacional. Un recorrido exponencial en el que cada paso distorsiona y abstrae las imágenes cada vez más, a través de una serie de procesos que dejan en ellas una huella evidente.
Como parte de este proceso, Estany entrena modelos algorítmicos con sus fotografías y textos para que aprendan a generar nuevos escritos e imágenes, que no son el reflejo de ninguna realidad, ni representan a nadie más que a sí mismas. Las imágenes y escritos resultantes, rehúyen las estéticas fotorealistas y las aspiraciones de lenguaje natural que persiguen las herramientas que las han generado, y se plantean como el resultado de un juego experimental que permita indagar en las posibilidades estéticas y políticas que ofrecen como artefactos artísticos.
Las piezas expuestas en la Sala Amárica, se esfuerzan por abrir la caja negra de las herramientas de visión contemporáneas, explorando sus procesos de producción para ofrecer puntos de vista críticos y tantear los efectos que provocan las diferentes formas de (re)presentación visual.
Viphoto Fest 22 Exposición individual en Sala Amarica
Viphoto Fest 22 “Del que passa a fora”
¿Cómo funcionan las cámaras de los teléfonos móviles y las aplicaciones que organizan las imágenes? ¿Cómo nos relacionamos con los espacios y los cuerpos digitales? ¿Cuál es el efecto que estas tecnologías tienen cuando miramos al mundo, y cómo forman parte del mismo?
Las imágenes de Lo Que Passa Fora parten desde una ventana a la que Erik Estany se asoma para fotografiar de forma compulsiva la rutina de una calle cualquiera. Se deja llevar por la cámara que vigila a quién se le cruza por delante. La relación interdependiente entre la máquina y su operador se extiende y se acelera a través de las ventanas de diversos programas, abstrayendo y distorsionando las imágenes cada vez más. Se trata de procesos de dudosa fiabilidad que empresas y organizaciones utilizan para analizar rostros, gestos o emociones, tal y como muestran varias piezas incluidas en la exposición.
Pero la visión computacional no se limita a interpretar imágenes, sino que también es capaz de sintetizarlas. Las fotografías sintéticas no son el reflejo de ninguna realidad, ya que no representan a nadie más que a sí mismas. Estany entrena modelos algorítmicos con sus fotografías y textos para que aprendan a generar nuevos escritos e imágenes. Pero no crea rostros fotorealistas ni ensayos impecables, por el contrario, expone su estéticas y peculiaridades para ofrecer puntos de vista críticos. Con ello, propone explorar el efecto que estas tecnologías provocan tanto en la mirada, como en la concepción que a través de ella tenemos de la realidad.
Jon Uriarte
Inauguración jueves 1 de diciembre en Sala Amárica
A partir de las 18:00 Charla y visita guiada con la presencia del artista Erik Estany y del comisario Jon Uriarte. Actividad abierta hasta completar aforo.
Inaugurazioa Amarica Aretoan abenduaren 1ean.
18: 00etatik aurrera Erik Estany artistarekin eta Jon Uriarte komisarioarekin hitzaldia eta bisita gidatua. Jarduera irekia edukiera bete arte.
Visitas guiadas exposición colectiva Viphoto Fest 22
Visita guiada 
Bisita Gidatua
Noviembre 18 Azaroa – 19:00-19:30
Noviembre 27 Azaroa – 12:00-12:30
Esta exposición colectiva reúne una selección de cuatro artistas del tejido local cuyos trabajos se entrecruzan en un mismo punto: el de la experimentación con materiales fotográficos para lograr una alteración en el entorno o dentro de la propia imagen. En algunos de los casos la idea surge del proceso transformador de materiales sólidos a líquidos, y que estos a su vez, se conviertan en mecanismos reveladores no solo de imágenes. En otros se abarca la temática de la identidad experimentando con componentes y técnica que aceleran el proceso creativo. A todas estas propuestas también se une el uso del movimiento -controlado o incontrolado- como puente de cohesión entre lo que era entonces y lo que es ahora, no sin antes reinterpretar el recuerdo y alterarlo hasta conseguir que se transforme.
Erakusketa kolektibo honek tokiko sareko lau artista biltzen ditu, eta horien lanak puntu berean gurutzatzen dira: argazkigintzako materialekin esperimentatzea, ingurunean edo irudian bertan alterazio bat lortzeko.
Kasu batzuetan, material solidoak likido bihurtzeko prozesutik sortzen da ideia, eta likidoak, era berean, irudien errebelatzaile hutsak izan beharrean, oro har mekanismo errebelatzaile bihurtzen dira. Beste batzuetan identitatearen gaia jorratzen da, sormen-prozesua bizkortzen duten osagai eta teknikekin esperimentatuz. Proposamen horiei guztiei mugimendua erabiltzea ere gehitu behar zaie -kontrolatua edo kontrolik gabekoa- lehen zenaren eta orain denaren arteko kohesio-zubi den aldetik. Hori guztia, lehenago oroitzapena berrinterpretatuta eta aldatuta, eraldatu dadila lortzeraino.
Participantes Partaideak: Annie Chkhartishvili – Raquel Echevarría – Rubén Beca – Saúl Vara
Visita guiada Bisita Gidatua
Noviembre 18 Azaroa
19:00-19:30
Inscripción gratuita
Doako izen-emateawww.fundacionvital.eus/eu
Sala 3. Centro de exposiciones Fundación Vital
Postas 13-15
Vitoria-Gasteiz
Bisita Gidatua
Noviembre 18 Azaroa
19:00-19:30Inscripción gratuita
Doako izen-emateawww.fundacionvital.eus/eu
Sala 3. Centro de exposiciones Fundación VitalPostas 13-15
Vitoria-Gasteiz
Viphoto Fest exposición colectiva ‘Romper la piedra’
El Centro de Exposiciones Fundación Vital acoge la muestra de Viphoto Fest ‘Romper la piedra’, obras de artistas locales con la experimentación de materiales como punto común
Annie Chkhartishvili
La ironía de la identidad
Esta exposición colectiva reúne una selección de cuatro artistas del tejido local cuyos trabajos se entrecruzan en un mismo punto: el de la experimentación con materiales fotográficos para lograr una alteración en el entorno o dentro de la propia imagen. En algunos de los casos la idea surge del proceso transformador de materiales sólidos a líquidos, y que estos a su vez, se conviertan en mecanismos reveladores no sólo de imágenes. En otros se abarca la temática de la identidad experimentando con componentes y técnicas que aceleran el proceso creativo.
Annie Chkhartishvili (Georgia, 2001) – ‘Pliegues’
En esta serie Chkhartishvili experimenta con la fotografía instantánea e intenta llevar la fotografía más allá de sus límites con una técnica llamada ‘Polaroid Emulsion Lift’, en la que la película se despega y el panel frontal transparente se sumerge en agua tibia para liberar la capa de emulsión del plástico. Estas emulsiones pueden colocarse en varios papeles u otros materiales. El trabajo parte de una serie de imágenes en las que la autora busca capturar diferentes matices del claroscuro, volúmenes y formas que le rodean. Mientras la emulsión está húmeda, se puede trabajar con un pincel o con los dedos, crear o eliminar arrugas y darles diferentes texturas y formas.
Su interés hacia el mundo artístico se incrementó tras mudarse a Vitoria-Gasteiz en su adolescencia. En 2020 se trasladó a Bilbao donde reside actualmente y cursa tercero de Creación y Diseño en la Universidad de la UPV. Al comienzo de sus estudios, Annie centró su práctica en la fotografía. Durante los dos primeros años de la carrera trabajó en proyectos personales, retratos y fotografía de la calle, llevando a cabo experimentaciones sobre la imagen y las posibilidades de la fotografía en el ámbito de técnicas mixtas. En junio de 2022 formó parte de la exposición del Certamen Arte Vital.
A todas estas propuestas también se une el uso del movimiento -controlado o incontrolado- como puente de cohesión entre lo que era entonces y lo que es ahora, no sin antes reinterpretar el recuerdo y alterarlo hasta conseguir que se transforme.
Raquel Echevarría (Vitoria-Gasteiz) – ‘Radiografías del Ser’
Su proyecto fotográfico ahonda en el movimiento del cuerpo y sus beneficios emocionales a través del baile. Este recorrido impulsa la conciencia corporal con el objetivo de crear un movimiento libre en su propia expresión. En esencia, se trata de una oda hacia la liberación del peso emocional en la mujer. Mediante la superposición de cuerpos, la autora habla del ejercicio introspectivo y expresivo que se genera gracias al movimiento. Para ello emplea materiales flexibles y transparentes que reflejan la plasticidad de una relación infinita.
En su trabajo combina imágenes con piezas audiovisuales, collage y escritura en forma de poesía. Su medio es la fotografía analógica y a día de hoy su mayor interés se centra en el retrato y la expresión del cuerpo femenino. Estudió diseño de moda y en 2016 se trasladó a Madrid para estudiar Comunicación e Imagen de Moda; allí hizo prácticas en una productora como estilista en videoclips. En el año 2019, le concedieron una beca Global Training para continuar su carrera profesional como fotógrafa y videógrafa en Bruselas (Bélgica), donde reside actualmente.
Su carrera está muy influenciada por su formación en moda, gracias a la que comienza a apreciar las formas, los colores y la luz. Todos estos estímulos reforzaron su ya existente interés por la fotografía, ayudándole a encontrar en este medio un lenguaje para dar voz a todo aquello que le inquieta.
Rubén Beca (Vitoria-Gasteiz, 1897) – ‘La lluvia que no cala’
“Llevo tiempo observando la explicitud con la que los medios de comunicación tratan la imagen para dar cuerpo a las noticias; en vez de sensibilizar, se consigue adormilar a la sociedad cual agua de lluvia que no cala”. Esta instalación consta de cuatro fotografías tomadas con cámaras clásicas de los años 30 y 50, como el material usado por los reporteros de guerra clásicos. En cada una de las imágenes se ve una noticia de la guerra entre Rusia y Ucrania en cuatro lugares muy frecuentados de Vitoria-Gasteiz, en ellas se ve a los transeúntes pasando de largo. La obra se acabará el día de la inauguración a los ojos del espectador, virando las imágenes con café, rociado como lluvia encima de las fotografías. “Con esta obra quiero hacer reflexionar al espectador sobre el poco impacto que nos provoca ver hoy en día las imágenes cruentas de las noticias y cómo influye esto en el pasotismo de la sociedad”.
Beca es artista, ingeniero y diseñador aeronáutico y desde siempre ha tenido inquietud por observar y crear, ligando su profesión con el arte. En su obra se delatan las manos de un ingeniero mecánico, tanto por los materiales utilizados, como el acero, como por la forma de conformarlas. Son procesos de creación estructurados y ordenados para poder realizar esculturas de gran formato. Los inicios de su carrera artística fueron en la escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. “Con mi arte quiero despertar en el individuo una reflexión crítica sobre los temas sociales que trato en mis obras: la migración, la prostitución, la lucha de clases, la contaminación global, la influencia de los medios de comunicación, la discriminación de género, etc.”
Saúl Vara (Vitoria-Gasteiz, 1989) – ‘Caos’
Mediante la abstracción y descontextualización de elementos naturales y cotidianos el trabajo fotográfico conceptual de Vara busca abrir una pequeña ventana al caos, ese “orden aún por descifrar”, desde la cual poder observarlo y pensarlo. La atmósfera tenue e introspectiva creada invita a sumergirse en el complejo entramado de sistemas caóticos que nos conforma. El caos pasa a convertirse así en la máxima custodia del asombro, de ese enigma que da vida a la vida.
En su recorrido fotográfico Saúl Vara ha desarrollado varios proyectos individuales y colectivos. Actualmente cursa el último año de fotografía de la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. Ha expuesto su trabajo en las dos ediciones del festival vitoriano “IN SITU ArtFestival” (2021/2022), y este año ha sido seleccionado para formar parte de la exposición colectiva de FotoArte. En marzo de 2021, expuso en Zas Kultur Espazioa, los ‘artefactos’ resultantes del taller colectivo ‘Ser libro’, dirigido por Julián Barón.
‘Romper la piedra’ se podrá visitar en el Centro de Exposiciones Fundación Vital (Postas 13-15, Vitoria-Gasteiz) del 11 de noviembre al 11 de diciembre, de martes a sábado en horario de 10:30 a 13:00 y de 18:00 a 20:30 y los domingos y festivos de 10:00 a 14:00. La entrada es libre.
Visitas guiadas Bisita Gidatuak
Noviembre 18 Azaroa – 19:00-19:30
Inscripción gratuita
Doako izen-ematea
Actividades FotoArte 2022
BoockJockey, charlas, talleres, exposición itinerante, etc. Os presentamos las actividades que han preparado en el certamen Foto Arte 2022 en colaboración con Sociedad Fotográfica Alavesa.
Taller: ‘Foto-bordado’ con Andrea Box, en el CC El Pilar
Jueves 26 de mayo a partir de las 18:30
Andrea Box, en este taller práctico aprenderás puntos básicos de bordado y la técnica que se utiliza para perforar el papel fotográfico. También aprenderás a intervenir tus fotografías para transformarlas y crear otras nuevas llenas de color.
BookJockey con Camilo Amaya y Maite Romero, en la sala de exposiciones del CC El Pilar
Martes 31 de mayo a partir de las 18:00
Una sesión de bookjockey es similar a una sesion de Dj, pero con libros de fotografia, en donde se van mezclando libros, imagenes y sonido con el fin de crear una historia, que poco a poco va invitando y conectando al publico con el poder de las imágenes.
Ésta sesión estará dividida en tres capítulos:
1-Ver (mas figurativo)
2-Sentir ( mas abstracto)
3-Actuar (mas politico)
Fotógrafo Colombiano nacido en Bogotá 1980. Estudió comunicación audiovisual con especialidad en fotografía en el Politécnico Gran Colombiano. Al finalizar sus estudios decide radicarse en Buenos Aires. Tras trabajar para un estudio realizando fotografía de publicidad y al cabo de dos años decide volver a Bogotá para centrarse en proyectos más personales. Viaja a Bilbao, en el País Vasco Español, para conformar una editorial fotográfica a comienzos del 2010 y decide instalarse. Actualmente hace parte del centro de fotografía contemporánea de Bilbao (CFC-Bilbao) donde ejerce como tutor de fotografía y colabora en el desarrollo de proyectos que tengan una fuerte carga personal y expresiva.Su interés por la fotografía ha impulsado su propia búsqueda hacia la realización de una fotografía más evocativa, manteniendo una vinculo directo con los fotolibros, la música, la escritura y el cine. Su trabajo fotográfico es el resultado de una intensa búsqueda de la imagen expresiva. Partiendo de la emoción y desde el sentir todo su trabajo se desarrolla sobre los limites de la memoria, y el “sin sentido” ese territorio donde se gestan las imágenes. En todos sus proyectos, incluido el trabajo a color titulado Andetag, la fotografía es el resultado de una fuerte indagación hacia los confines de la existencia, partiendo desde la propia identidad, fomentando siempre una relación con el territorio en que habitamos hasta llegar a la fotografía, esa nueva conexión con el mundo. Su trabajo editorial busca encontrar nuevas formas de relacionarse con las imágenes, alimentando, con esas nuevas conexiones, la clara intensión de producir nuevos significados, nuevas formas de ver y de sentir.
Maite Jimena Romero Mintegui nace en San Luis Potosí, México en 1988. En el 2001 se instala en Amorebieta, Vizcaya. Estudia Comunicación Audiovisual en la Universidad del País Vasco, con la especialidad de cine. Actualmente trabaja de productora audiovisual en un programa de cultura de la televisión pública vasca. Dedica gran parte de su tiempo libre a disfrutar en museos, teatros y bibliotecas de todas las artes, desde la literatura, la música, el teatro, la danza… También ayuda a las palabras a encontrar su camino en las hojas en blanco, tejiendo puentes entre el pensamiento y las emociones. Lo hace a través de sus redes sociales y su blog personal.
Entrada libre, hasta completar aforo.
Gala entrega de premios Foto Arte
Martes 31 de mayo a partir de las 19:00
Presentación del certámen Foto Arte 2022, entrega de premios e inauguración de la exposición itinerante con las obras seleccionadas. El evento será conducido por Josune Velez de Mendizabal.
Entrada libre, hasta completar aforo.
Charla: ‘Mirar es escuchar’ con Laura C. Vela en el CC El Pilar
Viernes 3 de junio a partir de las 19:00
Diane Arbus decía que fotografiar es caminar en un mundo de espejos, y Ursula K. Le Guin dijo que contar es escuchar. Mirar dentro y mirar fuera, estar a la escucha, serán los pretextos de esta charla en la que me gustaría hacer un repaso por el proceso fotográfico y por la construcción de proyectos personales.
También compartiré algunos de mis trabajos fotográficos desarrollados en distintos soportes y formatos, para hablar de lo transmedial y de la adaptación al medio.
¿Por qué hago fotos? Siempre existe un por qué, un comienzo, que a veces traducimos en palabras mucho tiempo después. Esa motivación condiciona las cosas a las que prestamos atención, la manera en que miramos, y va construyendo nuestro discurso personal.
Fotógrafa y editora afincada en Madrid. Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Fotografía (Arte 10), Graduada en Filosofía (UCM), ganadora de la beca BlankPaper para estudiar el Máster en Desarrollo de Proyectos Artísticos y diplomada en Estudios Chinos (ICEI).
Mi obra se centra en lo cotidiano, lo infinitamente pequeño, y la relación de los seres con su entorno. Creo en la creación como manera de situarse en el mundo, de comunicación con los otros. He realizado exposiciones tanto individuales como colectivas en territorio nacional e internacional así como compartido talleres y charlas en distintos ámbitos culturales.En ocasiones también realizo trabajos de comunicación y edición.
Publiqué mi primer libro, Vorhandenheit, en 2014, el cual se reeditó en 2020. En 2016 colaboré en Subculturcide, un libro sobre el Madrid de la década de los 10’. Fue artista seleccionada en Plat(t)form – Fotomuseum Winterthur en 2018 y en mayo de 2019 publiqué el fotolibro Como la casa mía con la editorial Dalpine, finalista a Mejor Libro de Fotografía del Año en la categoría nacional. En junio de 2020 coordiné y edité Las simples cosas, un fotolibro colectivo junto a Laia Sabaté, Helena Goñi y Maider Jiménez. Desde noviembre de 2020 estoy representada por la galería de arte y plataforma internacional de fotografía Photential. En 2021 co-fundé la colección de libros Esto es un cuerpo así como la editorial Comisura. En 2022 publiqué en formato libro y web el proyecto Siempre van solos, los bichos, en co-autoría con el escritor Suso Mourelo.
Entrada libre, hasta completar aforo.
Taller de edición: ‘Cuando la fotografía y la palabra dialogan’ con Laura C. Vela, en el CC El Pilar
Sábado 4 de junio de 11.00 a 13.00 y de 16.00 a 18.00
Un fotolibro es un vehículo de papel que contiene una narrativa transmitida a través de la secuenciación de fotografías, al que se le pueden añadir otros elementos gráficos. Es un soporte que nos permite, sobre todo, dejarnos afectar por las fotografías, detenernos ante ellas y conversar con un tipo de narrativa a la que no todos estamos acostumbrados.
En este taller analizaremos el formato fotolibro desde su concepción, su desarrollo y su corporalidad final. Cuando construimos o leemos un fotolibro tenemos que dejarnos llevar, estar abiertos y no pretender encontrar respuestas rápidas. La imagen es más abierta que la palabra y abre ante nosotros muchísimas posibilidades de juego. Las fotografías más que decir, sugieren: quien nos habla es nuestro mundo interior y es al conectar unas fotografías con otras, con nuestra singularidad, cuando empiezan a narrar.
– Sábado por la mañana : Compartiremos y miraremos varios casos de estudio: revistas europeas, fotolibros de autor, libros híbridos, desplegables, libros objeto… ¡Todo tipo de experimentación!
Observaremos y comentaremos lo que siempre queda oculto y que, en verdad, es la gran clave para que un relato o proyecto funcione: aquello que se deja de mostrar, el silencio, la coherencia.
– Sábado por la tarde: Los asistentes traerán fotografías propias o fotografías de otras personas, recortes, apropiaciones… con la idea de acompañar al texto que enviaremos previamente.
Las fotos no deben transcribir el texto a su versión en fotografía, sino expresar de otra manera, trasladar emociones, imágenes, expandir y añadir otras capas simbólicas.
Inscripciones taller de edición
Exposición itinerante en los Centros Cívicos
El 31 de mayo comienza la exposición itinerante, que recorrerá los centros cívicos de la ciudad, hasta septiembre. La exposición muestra las fotografías seleccionadas y las fotografías ganadoras de FotoArte 2022. También se incluyen las obras ganadoras de la edición 2020, que no pudieron exponerse por motivo de la pandemia.
Calendario de la exposición
- El Pilar: 31 mayo-16 junio
- Judimendi: 17-26 junio
- Iparralde: 27 junio-4 julio
- Zabalgana: 5-11 julio
- Hegoalde: 12-21 julio
- Lakua: 22-28 julio
- Ibaiondo: 29 julio-31 agosto
- Salburua: 1-11 septiembre
Las Horas Ínfimas de Silvia Díez en Fundación Laboral San Prudencio
Nuestras socia Silvia Díez Menéndez, expone su trabajo Las Horas Ínfimas, hasta el próximo 24 de abril en la sala Ágora de la Fundación Laboral San Prudencio, Eduardo Dato Kalea, 43.
Horario: de lunes a viernes de 8:00 a 14:00 y de 15:00 a 20:00
“Aquel año me autodestruí mucho más que el resto de los años y, sin embargo, nunca estuve más lleno de vida. Mi madre parecía una planta de interior sacada al balcón. Yo parecía un criminal lobotomizado. Éramos, por fin, una familia”. Tatiana Tibuleac de su libro El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes.
Las horas ínfimas es la regresión de una madre a su temprana juventud para sentir, lo que un periodo de aislamiento provoca en la mente de un hijo, es volver a sentir ese miedo de estar perdido, y no saber si vas a encontrar ese tablón que te haga volver a la superficie.
Habla de cómo, en ese largo periodo de introspección, he podido observar como mi hijo ha tenido que dejar su vida social en reposo justo en uno de sus momentos más decisivos de conformación de su
yo. He indagado en cómo me sentiría en ese momento recién estrenado en el amor romántico, ese vínculo apasionado-emocional- sexual de plena efervescencia, cuando solo quieres estar con la persona amada y no precisamente a través de una pantalla.
¿Cuándo realidad y ficción se alinean? ¿Cuándo los sueños son sueños o recuerdos? ¿Qué es realmente la locura? Aislamiento del cuerpo y bullicio constante de la mente, mundo cierto pero incomprensible para el resto, ansiedad producida o fingida, desesperación por no lograr el entendimiento de la sociedad tal y como dicen ha de ser. Ver, sentir y vivir cosas inimaginables para otros. ¿Cuándo esa línea tan fina se traspasa? ¿Cuándo esa lucha contra el
enemigo invisible es tu propia cabeza? Este proyecto es un ínfimo contacto a lo que puede sentir una mente
encerrada en un cuerpo y en un espacio por su condición de “ajenos a la realidad”. La locura no es cosa de unos pocos, está más a mano de lo que parece.
Proyecto: http://silviadiezmenendez.com/las-horas-infimas
BIO
Profesionalmente inmersa en el mundo administrativo-financiero, en 2015 decide hacer de su pasión una forma de comunicación. La fotografía le permite descubrir, imaginar y expresar, aquello que con otras disciplinas no podría. Los temas que aborda son de carácter intimista y/o de corte social.
Ha desarrollado acciones y exposiciones en colaboración, tanto en Vitoria-Gasteiz como en otros municipios de Álava en pro de la igualdad.
Se ha formado en la Escuela de Fotografía Documental Blackkamera y en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. Continúa su formación acudiendo a charlas y participando en talleres de la mano de Juanan Requena, Sofia Moro, Eduardo Momeñe, Laia Abril, Jesús Micó y Helena Goñi entre otros.
Inauguración exposición Ser Libro en Zas Kultur
Esta tarde a partir de las 19:30h, inauguramos la exposición “Ser Libro” fruto del taller impartido por Julián Barón, como cierre de las actividades de Viphoto´21
Libro proviene del latín liber, un término vinculado a la corteza del árbol. Un libro es un conjunto de hojas de papel o algún material semejante que, al estar encuadernadas, forman un volumen. También hemos escuchado del libro que es un medio de transporte, un arma cargada, una trampa, un tesoro, una palanca, etc.
Pero, ¿Qué es ser libro? Ser libro es una experiencia colectiva basada en el lenguaje propio de los libros, sus dinámicas de creación y las imaginaciones que suscitan. Es caminar adentro y caminar sobre estos, utilizarlos para crear mapas críticos o proponer prácticas alternativas desde estos.
¿Cómo nace un libro? Las publicaciones y otros artefactos de esta exposición son el resultado de algunos de los ejercicios propuestos durante el taller Ser libro coordinado por Julián Barón y organizado por la Sociedad Fotográfica Alavesa de Vitoria.
Participantes: Ainhoa Güemes, Aitziber Barriga, Ana Padró, Andrea Velasco, Ana García Hermoso, Arkaitz Saiz, Charo Ramírez, David Guerrero, Gaizka De Arbeloa, Josean Pablos, Maider Jiménez, Mikel Rivera, Raquel Meyers, Rocío López, Saúl Vara, Silvia Díez, Virginia González, Julián Barón y Manuel Vargas.
Organiza: Sociedad Fotográfica Alavesa en el marco de Viphoto Fest Colabora: Zas Kultur y Centro Cultural Montehermoso Kulturunea
