Sociedad Fotográfica Alavesa/Arabako Argazkilaritza Elkartea

Entidad sin ánimo de lucro cuya finalidad principal es la divulgación y aprendizaje de la fotografía.

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Visita guiada exposición #serlobas en Sala Amárica

El próximo domingo 14 de enero, coincidiendo con la clausura del taller #serlobas en Vitoria, hemos organizado una visita guiada a cargo de las artistas y cuidadoras del proyecto, Elisa Miralles y Lurdes R.Basolí.
La visita forma parte de la reinauguración de la exposición que tendrá lugar tras la colocación de las imágenes resultantes del taller que se llevará a cabo en La Casa de las Mujeres de Vitoria-Gasteiz
Actividad gratuita y abierta a todos los públicos, ¡te esperamos!
Hora: de 14:00 a 15:00
Localización: Sala Amárica
Plaza Amárica, 4, 01005 Vitoria-Gasteiz

Amarica Aretoak “#serlobas” argazki erakusketa inauguratu du, emakumeen gorputzen inguruko beste iruditeria bat esploratzen duen proiektu koral bat

Sala Amárica inaugura la exposición fotográfica ‘#serlobas’, un proyecto coral que explora otro imaginario en torno a los cuerpos de las mujeres

Las fotógrafas Elisa Miralles y Lurdes R. Basolí reivindican la multimirada y el cuerpo monstruo para desligar la representación de los cuerpos de las mujeres del canon de belleza femenino 

 

Del 1 de diciembre al 28 de enero de 2024, se podrá ver en la Sala Amárica ‘#serlobas’, una exposición cuidada por las fotógrafas Elisa Miralles y Lurdes R. Basolí con la que exploran otro imaginario de los cuerpos de las mujeres, a través de una fotografía coral y colaborativa.

“Durante siglos las mujeres hemos sido objetualizadas por una representación masculina mediada por el deseo del hombre; sexualizadas”, explican las artistas que aseguran: “El canon de belleza femenino nos oprime todavía de múltiples formas y su herramienta más poderosa es la imagen. Para salir de esta cárcel narrativa, estamos construyendo un universo polifónico en el que las mujeres nos desplazamos de un lugar pasivo de cosificación a un lugar activo de autorrepresentación”.

 

© Elisa Miralles y Lurdes R.Basolí

 

Impulsada por la Sociedad Fotográfica Alavesa, la exposición, de tipo interdisciplinar basada en la fotografía, combina copias en pared con retratos impresos sobre telas de gran formato de diferentes texturas, así como una sala oscura que acoge una pieza experiencial creada expresamente para la ocasión. Dos proyecciones cruzadas rebotan en diversos espejos y son acompañadas con música desarrollada site specific por dos artistas sonoros: la irundarra Eneritz Furyak y el catalán afincado en Donostia Oriol Flores. 

“El objetivo es crear un cuerpo de mujer híbrido, recuperar el poder del monstruo, nuestra parte animal y liberarnos así de la opresión estética que aún impera hoy”, subrayan las fotógrafas. 

La muestra se acerca, también, a las personas con discapacidad visual, a través de una de las fotografías fundamentales de la muestra que ha sido impresa con relieve. De esta forma, las personas con discapacidad visual pueden acceder a la exposición mediante el tacto y el apoyo de una audioguía, con texto y voz de la fotógrafa de Oñate Itziar Bastarrika.

Además de Miralles y Basolí, la muestra está compuesta por 37 co-autoras que se han ido sumando al proyecto a través de talleres-encuentro realizados en Terrassa, Madrid, Córdoba, Valencia y Rubí entre noviembre de 2021 y octubre de 2023. “Dentro de un círculo simbólico que entiende la duda y la vulnerabilidad como potencial creativo, en los talleres-encuentro dirigidos a fotógrafas y no fotógrafas transitamos entre ser musas y ser fotógrafas. Construimos un nuevo relato en torno a nuestros cuerpos, ahora contado por nosotras”, detallan las fotógrafas. 

 

Un taller-encuentro para transformar la mirada, y la exposición misma

Los próximos 12, 13 y 14 de enero de 2024 las dos artistas llevarán a cabo uno de sus talleres-encuentro en La Casa de las Mujeres de Vitoria-Gasteiz. Durante tres días y en un espacio de confianza, las asistentes conversarán sobre el canon de belleza femenino, fotografiarán y editarán conjuntamente el material generado. Las fotografías que surjan del encuentro reconfigurarán la exposición de la Sala Amárica, sumando así nuevas miradas. 

“#serlobas está en constante mutación, es un proyecto vivo que va cambiando con el paso del tiempo, como lo hacen nuestros cuerpos”, explican las autoras.

 

Fruto de un encuentro a través de la pantalla

‘#serlobas’ es el fruto del encuentro a través de la pantalla de Lurdes R. Basolí y Elisa Miralles durante el confinamiento domiciliario a causa de la pandemia. Semanalmente, estas fotógrafas de reconocido prestigio compartían sus procesos artísticos, retroalimentandose y apoyándose como mujeres y como autoras, una dinámica que continúa hasta el día de hoy. 

Es entonces cuando deciden sumar sus indagaciones fotográficas iniciadas hace más de seis años, ‘Ser Otra’ y ‘Loba’. Nace así ‘#serlobas’, un proyecto que se expuso por primera vez en la Sala Muncunill de Terrassa (Barcelona) y que ha viajado por distintos lugares de la península: el Congreso Sobre Fotografía en la Universidad Alcalá de Henares, el Festival Mirades de Torroella de Montgrí en Girona, los XIX Encuentros Fotográficos de Gijón, en Roca Umbert Fábrica de las Artes de Granollers (Barcelona), etc.

 

Elisa Miralles (Madrid, 1978) es ingeniera química y fotógrafa desde 2007, año en que expone su primer trabajo en el Festival de fotografía de Roma. Recibe la beca World Press Photo para el proyecto Urban Youth en Manila. Gana el primer premio FotoPres de Fundación La Caixa por su proyecto Recuerdos sin memoria, un duelo anticipado que describe el día a día de su abuela enferma de Alzheimer. Este trabajo forma parte de la exposición colectiva Darkside en el Fotomuseum de Winterthur.

 Participa en festivales como el Art Photography Show (USA), PhotoIreland (Irlanda) o Goaphoto (India). Obtiene la Residencia artística de Granitti Murales (Sicilia), donde comienza su proyecto Loba.

 Su libro WANNABE es publicado por La Fábrica, y expuesto en el Canal de Isabel II dentro de la colectiva Un cierto panorama, que itinera por diferentes países de Latinoamérica.

 

Lurdes R. Basolí (Granollers, 1981) es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Ramon Llull. En 2010 gana el premio Inge Morath, otorgado por la Agencia Magnum. Otros reconocimientos recibidos son el premio Ani Pixpalace de Visa Pour l’Image, la beca FotoPres de Fundación La Caixa y el Joop Swart Masterclass de World Press Photo.

Su trabajo se ha expuesto en museos y centros de arte como Caixaforum, Círculo de Bellas Artes y Espacio Fundación Telefónica, Madrid; Fotohof Galerie y Landesgalerie Linz, Austria; Fotografie Forum Frankfurt, Alemania; Baku Museum of Modern Art, Azerbaján; Thought Pyramid Art Center, Nigeria, y en festivales como PhotoEspaña, Panoràmic, Photo Beijing o Noorderlicht.

Hoy en día combina los encargos con la docencia y sus proyectos. Es residente en Roca Umbert Fábrica de las Artes (Granollers).

 

 Amarica Aretoak “#serlobas” argazki erakusketa inauguratu du, emakumeen gorputzen inguruko beste iruditeria bat esploratzen duen proiektu koral bat

Elisa Miralles eta Lurdes R. Basolí argazkilariek begirada anitza eta gorputz munstroa aldarrikatzen dituzte emakumeen gorputzen irudikapena emakumeen edertasun kanonetik bereizteko

 

Abenduaren 1etik 2024ko urtarrilaren 28ra, Amarica Aretoan “#serlobas” egongo da ikusgai, hau da, Elisa Miralles eta Lurdes R. Basolí argazkilariena, emakumeen gorputzen beste iruditeria bat esploratzeko, elkarlaneko argazki koral baten bidez.

“Mendeetan zehar, gizonaren desioak bultzatutako irudikapen maskulino batek objektualizatu, sexualizatu, gaitu emakumeak”, adierazi dute artistek eta gaineratu dute: “Emakumeen edertasun kanonak hainbat modutan zapaltzen gaitu oraindik, eta tresna indartsuena irudia da. Espetxe narratibo horretatik irteteko, unibertso polifoniko bat eraikitzen ari gara, non emakumeak kosifikazio leku pasibo batetik autoirudikapen leku aktibo batera igarotzen ari baikara”.

 

© Elisa Miralles y Lurdes R.Basolí

 

Arabako Argazkigintza Elkarteak bultzatuta, erakusketak, argazkigintzan oinarritutako diziplinartekoa da, hormako kopiak eta testura desberdineko oihal handietan inprimatutako erretratuak konbinatzen ditu, eta areto ilun bat ere du, horretarako berariaz sortutako esperientzia pieza bat hartzen duena. Bi proiekzio gurutzatu zenbait ispilutan islatzen dira, bi soinu artistak garatutako site specific musikak lagunduta: Eneritz Furyak irundarra eta Donostian bizi den Oriol Flores katalana. 

“Helburua da emakume gorputz hibrido bat sortzea, munstroaren boterea eta gure alde animala berreskuratzea eta, horrela, gaur egun oraindik nagusi den zapalkuntza estetikotik askatzea”, azpimarratu dute argazkilariek. 

Erakusketa, halaber, ikusmen desgaitasuna duten pertsonengana hurbiltzen da; izan ere, erakusketako argazkirik funtsezkoena erliebez inprimatu da. Horrela, ikusmen desgaitasuna duten pertsonak erakusketara heldu daitezke ikusmenaren eta audiogida baten bidez, Itziar Bastarrika argazkilari oñatiarraren testuarekin eta ahotsarekin.

Miralles eta Basolíz gain, beste 37 egilekidek ere osatzen dute erakusketa, eta Terrassan, Madrilen, Kordoban, Valentzian eta Rubín 2021eko azarotik 2023ko urrira bitartean egindako topaketa tailerren bidez gehitu zaizkionak proiektuari. “Zalantza eta zaurgarritasuna sorkuntza potentzialtzat jotzen dituen zirkulu sinboliko baten barruan, emakume argazkilari eta ez argazkilarientzako topaketa tailerretan musa izatetik argazkilari izatera igarotzen ari gara. Gure gorputzen inguruan kontakizun berri bat eraikitzen dugu, orain guk kontatua”, zehaztu zituzten argazkilariek. 

 

Begirada eraldatzeko topaketa tailerra, eta erakusketa bera

2024ko urtarrilaren 12, 13 eta 14an, bi artistek beren topaketa tailerretako bat egingo dute Gasteizko Emakumeen Etxean. Hiru egunez eta konfiantzazko espazio batean, bertaratutakoek emakumeen edertasun kanonari buruz hitz egingo dute, argazkiak aterako dituzte eta sortutako materiala batera editatuko dute. Topaketatik ateratzen diren argazkiek Amarica aretoaren erakusketa berregituratuko dute, eta, horrela, begirada berriak gehituko dira. 

“#serlobas etengabeko mutazioan dago, denborarekin aldatzen doan proiektu bizia da, gure gorputzek egiten duten bezala”, azaldu dute egileek.

 

Pantailaren bidezko topaketa baten emaitza

“#serlobas” Lurdes R. Basolík eta Elisa Mirallesek pandemiaren ondorioz etxeko konfinamenduan pantailaren bidez egindako topaketaren emaitza da. Astero, ospe handiko argazkilari horiek beren prozesu artistikoak partekatzen zituzten, emakume gisa eta egile gisa berrelikatzen eta babesten, eta dinamika horrek gaur arte dirau. 

Orduan erabaki zuten duela sei urte baino gehiago hasitako argazki ikerketak batzea, “Ser otra” eta “Loba”. Horrela sortu zen “#serlobas” proiektua, lehen aldiz Terrassako (Bartzelona) Muncunill aretoan aurkeztu zena eta penintsulako hainbat lekutan zehar bidaiatu duena: Alcala de Henaresko Unibertsitateko Argazkilaritzari buruzko Kongresua, Torroella de Montgríko Mirades jaialdia Gironan, Gijongo XIX. Argazki Topaketak, Granollerseko Roca Umbert Fábrica de las Artes (Bartzelona), etab.

 

Elisa Miralles (Madril, 1978) ingeniari kimikoa eta argazkilaria da 2007tik, urte horretan aurkeztu baitzuen bere lehenengo lana Erromako Argazkigintza Jaialdian. World Press Photo beka jaso zuen Manilan Urban Youth proiekturako. La Caixa Fundazioaren lehenengo FotoPres saria irabazi zuen ‘Recuerdos sin memoria’ proiektuarekin, Alzheimerrak jota dagoen bere amamaren egunerokotasuna deskribatzen duen dolu aurreratua dena. Lan hori Darkside erakusketa kolektiboaren parte izan zen, Winterthur-ko Fotomuseoan. 

Art Photography Show (AEB), PhotoIreland (Irlanda) edo Goaphoto (India) jaialdietan parte hartu du. Granitti Muralesen (Sicilia) egoitza artistikoa lortu zuen, eta bertan hasi zuen Loba proiektua.

Haren WANNABE liburua La Fábricak argitaratu zuen, eta Canal de Isabel II aretoan erakutsi zen Un cierto panorama kolektiboaren barruan, Latinoamerikako hainbat herrialdetatik doana.

 

Lurdes R. Basolí (Granollers, 1981) Ikus-entzunezko Komunikazioan lizentziatua da Ramon Llull Unibertsitatean. 2010ean, Inge Morath saria irabazi zuen, Magnum agentziak emana. Jasotako beste aintzatespen batzuk dira Ani Pixpalace de Visa Pour l’Image saria, La Caixa Fundazioaren FotoPres beka eta World Press Photoren Joop Swart Masterclass.

Bere lana museoetan eta arte zentroetan erakutsi da, hala nola Caixaforum, Arte Ederren Zirkulua y Espacio Fundación Telefónica Madrilen, Fotohof Galerie eta Landesgalerie Linz Austrian, Fotografie Forum Frankfurt Alemanian, Baku Museum of Modern Art Azerbajanen, Thought Pyramid Art Center Nigerian eta PhotoEspaña, Panoràmic, Photo Beijing eta Noorderlicht jaialdietan, besteak beste.

Gaur egun, enkarguak irakaskuntzarekin eta bere proiektuekin konbinatzen ditu. Roca Umbert Fábrica de las Artesen (Granollers) bizi da.










Exposición colectiva MUJER/MÁQUINA/FÁBRICA

Del 13/07 al 15/10 en Sala Amárica
La exposición MUJER/MÁQUINA/FÁBRICA plantea una reflexión sobre los archivos fotográficos y su relación con las narrativas políticas y de género. Los archivos no son simplemente restos del pasado, sino construcciones de ficciones generadas por instituciones y personas. A través de esta exposición, se cuestiona cómo otorgamos autoridad a ciertos documentos para que trasciendan en el tiempo y cómo se demuestra la veracidad o importancia de los mismos.

En el marco de esta muestra, se llevarán a cabo diversas actividades relacionadas. Entre ellas, destaca una conferencia en “Los lunes fotográficos” en la Fundación Vital Kulturunea, una visita guiada y un evento que llevará la temática que trabaja la muestra colectiva.

El proyecto ARTXIBO @artxibo encabezado por Sara Berasaluce Duque @sara.berasaluce y Tamara García Iglesias @tamaragarciaiglesias se dedica a la reinterpretación de archivos fotográficos a través de diferentes perspectivas artísticas. En esta exposición, once artistas han sido invitadas a reinterpretar material fotográfico seleccionado previamente, generando un corpus de obras que permiten cuestionar el concepto de trabajo y su cotidianidad.

La exposición se nutre de tres archivos fotográficos de la Comunidad Autónoma Vasca (CAV) y de otros relacionados con la representación y fotografía de mujeres obreras, máquinas y fábricas desde los años 40 hasta los 60. El Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz, el Archivo Municipal de Bilbao y la Fundación Kutxa Fototeka de Donostia han proporcionado el material de archivo utilizado en el proyecto.

La muestra cuenta con la participación de las siguientes artistas invitadas: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocío Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz y Zaloa Ipiña.

Además, en la página web del proyecto (www.artxibo.eus) se publicará información adicional sobre la exposición. Cualquier persona interesada tendrá la oportunidad de explorar más a fondo el trabajo de cada artista, así como acceder a la publicación producida para la exposición ‘MUJER MÁQUINA FÁBRICA’. Esta publicación consta de dos tomos, el primero titulado ‘Ninguna imagen es inocente” que ofrece una visión del material de archivo fotográfico proporcionado a las artistas, mientras que el segundo tomo, ‘Mundo sobre mundo’, presenta una representación del material intervenido y reinterpretado por ellas, que se ofrecen al precio de 9€ por ambos tomos o 5€ por cada uno (gastos de envío no incluidos).

El proyecto tiene el apoyo del Programa Eremuak de Tabakalera de Donosti, MAV – Mujeres en las Artes Visuales, Diputación Foral de Guipúzcoa y el Ministerio de Cultura y Deporte. En colaboración con la Sala Amárica Aretoa de la Diputación Foral de Álava y el Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz, el Archivo Municipal de Bilbao y el archivo Kutxa Fototeka de Donosti.

Exposición Las horas ínfimas de Silvia Díez

Las Horas Ínfimas

 El próximo lunes 13 de marzo a partir de las 19.00h, Silvia Díez inaugura “Las horas ínfimas” en Cervecería Basajaun

  El horario es de lunes a sábado de 17:00 a 23:00h hasta el 21 de mayo.

 

“Aquel año me autodestruí mucho más que el resto de los años y, sin embargo, nunca estuve más lleno de vida. Mi madre parecía una planta de interior sacada al balcón. Yo parecía un criminal lobotomizado. Éramos, por fin, una familia”. Tatiana Tibuleac de su libro El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes.
Las horas ínfimas es la regresión de una madre a su temprana juventud para sentir, lo que un periodo de aislamiento provoca en la mente de un hijo, es volver a sentir ese miedo de estar perdido, y no saber si vas a encontrar ese tablón que te haga volver a la superficie.
Habla de cómo, en ese largo periodo de introspección, he podido observar como mi hijo ha tenido que dejar su vida social en reposo justo en uno de sus momentos más decisivos de conformación de su yo. He indagado en cómo me sentiría en ese momento recién estrenado en el amor romántico, ese vínculo apasionado-emocional-sexual de plena efervescencia, cuando solo quieres estar con la persona amada y no precisamente a través de una pantalla.
¿Cuándo realidad y ficción se alinean? ¿Cuándo los sueños son sueños o recuerdos? ¿Qué es realmente la locura? Aislamiento del cuerpo y bullicio constante de la mente, mundo cierto pero incomprensible para el resto, ansiedad producida o fingida, desesperación por no lograr el entendimiento de la sociedad tal y como dicen ha de ser. Ver, sentir y vivir cosas inimaginables para otros.
¿Cuándo esa línea tan fina se traspasa? ¿Cuándo esa lucha contra el enemigo invisible es tu propia cabeza?
Este proyecto es un ínfimo contacto a lo que puede sentir una mente encerrada en un cuerpo y en un espacio por su condición de “ajenos a la realidad”. La locura no es cosa de unos pocos, está más a mano de lo que parece.

Exposición colectiva Rügen

Del 24 de febrero al 7 de mayo en Sala Amarica

 

“Rügen” es un proyecto fotográfico colaborativo de reflexión e interpretación acerca de un acontecimiento histórico muy concreto: varios de los aviones que bombardearon Gernika despegaron del aeródromo de Salburua.

 

Esta exposición es un trabajo realizado por 10 fotógrafos y fotógrafas de Vitoria-Gasteiz, tutorizado, dirigido y editado por el fotógrafo David Salcedo.

Una única premisa condiciona el inicio del trabajo, fotografiar en el barrio de Salburua conscientes de que algunos de los aviones que atacaron Gernika despegaron del antiguo aeródromo del lugar. A partir de aquí, y durante 6 meses, los participantes reflexionan acerca de este acontecimiento histórico y sus consecuencias y realizan las fotografías.

 

 

En la segunda fase del trabajo se amplían los márgenes de acción pudiendo tomar fotografías fuera del barrio. El proyecto no pretende documentar lo acontecido en el lugar si no interpretarlo. El trabajo culmina con un fin de semana de puesta en común, la selección y edición de las imágenes y la creación de una narrativa visual que da sentido y forma al proyecto “Rügen” que se presenta en la Sala Amárica. El proyecto final consta de un fanzine y de un cuerpo de 25 fotografías.

 

 

Actividades cierre Viphoto Fest

Charla con Erik Estany y visita guiada con los colaboradores del proyecto,
el próximo viernes 27 a las 18 h en Sala Amárica

 

Erik Estany Tigerström nos invita a asomarnos a su ventana en una nueva iteración de su trabajo «Del que passa a fora», esta vez en una exposición individual en la Sala Amárica de Gasteiz comisariada por Jon Uriarte. La muestra se puede visitar hasta el 29 de enero, y se enmarca dentro de Viphoto Fest 2022, organizado por la Sociedad Fotográfica Alavesa. Como cierre de la exposición, el viernes 27 de enero a las 18 h, el autor realizará una charla sobre el proceso de trabajo y una visita guiada a la exposición con la participación de los distintos colaboradores del proyecto. La charla y la visita también se podrán seguir en directo a través de las redes de Viphoto Fest.

La muestra expuesta en la Sala Amárica se acompaña de una publicación editada para la ocasión. Como parte de la exposición, también se ha desarrollado una pieza online, consistente en un texto generado, automáticamente y en tiempo real, por una red neuronal entrenada con todos los textos realizados en relación con el proyecto, que a su vez sirve de detonante para reproducir las fotografías y vídeos del trabajo. La pieza ha sido realizada en colaboración con el colectivo Estampa.

 

 

«Del que passa a fora» reflexiona sobre cómo vemos el mundo hoy, o sea, sobre como las tecnologías de visualización actuales configuran nuestra percepción de la realidad y la realidad misma. Estany utiliza una amplia variedad de herramientas a su alcance para explorar las posibilidades y condiciones de la imagen, así como su influencia en aquello que entendemos como real, y nos invita a vislumbrar los efectos que el complejo y acelerado desarrollo de la tecnología, la vida online y la visión computacional están provocando.

Todas las imágenes del trabajo tienen como punto de partida una ventana, desde donde el autor fotografía de forma compulsiva la cotidianidad de una calle cualquiera. Tras esa ventana inicial, las imágenes circulan a través de una concatenación de marcos, como las pantallas de la cámara, el ordenador y el teléfono móvil, y las ventanas de los programas de estos dispositivos, donde son editadas, y analizadas por herramientas de visión computacional. Un recorrido exponencial en el que cada paso distorsiona y abstrae las imágenes cada vez más, a través de una serie de procesos que dejan en ellas una huella evidente.

Como parte de este proceso, Estany entrena modelos algorítmicos con sus fotografías y textos para que aprendan a generar nuevos escritos e imágenes, que no son el reflejo de ninguna realidad, ni representan a nadie más que a sí mismas. Las imágenes y escritos resultantes, rehúyen las estéticas fotorealistas y las aspiraciones de lenguaje natural que persiguen las herramientas que las han generado, y se plantean como el resultado de un juego experimental que permita indagar en las posibilidades estéticas y políticas que ofrecen como artefactos artísticos.

Las piezas expuestas en la Sala Amárica, se esfuerzan por abrir la caja negra de las herramientas de visión contemporáneas, explorando sus procesos de producción para ofrecer puntos de vista críticos y tantear los efectos que provocan las diferentes formas de (re)presentación visual.

Viphoto Fest 22 Exposición individual en Sala Amarica

Viphoto Fest 22 “Del que passa a fora”

 

 

¿Cómo funcionan las cámaras de los teléfonos móviles y las aplicaciones que organizan las imágenes? ¿Cómo nos relacionamos con los espacios y los cuerpos digitales? ¿Cuál es el efecto que estas tecnologías tienen cuando miramos al mundo, y cómo forman parte del mismo?

Las imágenes de Lo Que Passa Fora parten desde una ventana a la que Erik Estany se asoma para fotografiar de forma compulsiva la rutina de una calle cualquiera. Se deja llevar por la cámara que vigila a quién se le cruza por delante. La relación interdependiente entre la máquina y su operador se extiende y se acelera a través de las ventanas de diversos programas, abstrayendo y distorsionando las imágenes cada vez más. Se trata de procesos de dudosa fiabilidad que empresas y organizaciones utilizan para analizar rostros, gestos o emociones, tal y como muestran varias piezas incluidas en la exposición.

Pero la visión computacional no se limita a interpretar imágenes, sino que también es capaz de sintetizarlas. Las fotografías sintéticas no son el reflejo de ninguna realidad, ya que no representan a nadie más que a sí mismas. Estany entrena  modelos algorítmicos con sus fotografías y textos para que aprendan a generar nuevos escritos e imágenes. Pero no crea rostros fotorealistas ni ensayos impecables, por el contrario, expone su estéticas y peculiaridades para ofrecer puntos de vista críticos. Con ello, propone explorar el efecto que estas tecnologías provocan tanto en la mirada, como en la concepción que a través de ella tenemos de la realidad.

Jon Uriarte

Descargar dossier

Inauguración jueves 1 de diciembre en Sala Amárica

A partir de las 18:00 Charla y visita guiada con la presencia del artista Erik Estany y del comisario Jon Uriarte. Actividad abierta hasta completar aforo.

Inaugurazioa Amarica Aretoan abenduaren 1ean.

18: 00etatik aurrera Erik Estany artistarekin eta Jon Uriarte komisarioarekin hitzaldia eta bisita gidatua. Jarduera irekia edukiera bete arte.

Viphoto Fest 22

 

Visitas guiadas exposición colectiva Viphoto Fest 22

Visita guiada ℹ️ Bisita Gidatua

 Noviembre 18 Azaroa – 19:00-19:30

Noviembre 27 Azaroa – 12:00-12:30

 

Esta exposición colectiva reúne una selección de cuatro artistas del tejido local cuyos trabajos se entrecruzan en un mismo punto: el de la experimentación con materiales fotográficos para lograr una alteración en el entorno o dentro de la propia imagen. En algunos de los casos la idea surge del proceso transformador de materiales sólidos a líquidos, y que estos a su vez, se conviertan en mecanismos reveladores no solo de imágenes. En otros se abarca la temática de la identidad experimentando con componentes y técnica que aceleran el proceso creativo. A todas estas propuestas también se une el uso del movimiento -controlado o incontrolado- como puente de cohesión entre lo que era entonces y lo que es ahora, no sin antes reinterpretar el recuerdo y alterarlo hasta conseguir que se transforme.
Erakusketa kolektibo honek tokiko sareko lau artista biltzen ditu, eta horien lanak puntu berean gurutzatzen dira: argazkigintzako materialekin esperimentatzea, ingurunean edo irudian bertan alterazio bat lortzeko.
Kasu batzuetan, material solidoak likido bihurtzeko prozesutik sortzen da ideia, eta likidoak, era berean, irudien errebelatzaile hutsak izan beharrean, oro har mekanismo errebelatzaile bihurtzen dira. Beste batzuetan identitatearen gaia jorratzen da, sormen-prozesua bizkortzen duten osagai eta teknikekin esperimentatuz. Proposamen horiei guztiei mugimendua erabiltzea ere gehitu behar zaie -kontrolatua edo kontrolik gabekoa- lehen zenaren eta orain denaren arteko kohesio-zubi den aldetik. Hori guztia, lehenago oroitzapena berrinterpretatuta eta aldatuta, eraldatu dadila lortzeraino.
Participantes Partaideak: Annie Chkhartishvili – Raquel Echevarría –  Rubén Beca – Saúl Vara
Visita guiada ℹ️ Bisita Gidatua
🗓 Noviembre 18 Azaroa
🕰 19:00-19:30
Inscripción gratuita
Doako izen-emateawww.fundacionvital.eus/eu
📍 Sala 3. Centro de exposiciones Fundación Vital
Postas 13-15
Vitoria-Gasteiz

Viphoto Fest exposición colectiva ‘Romper la piedra’

El Centro de Exposiciones Fundación Vital acoge la muestra de Viphoto Fest ‘Romper la piedra’, obras de artistas locales con la experimentación de materiales como punto común

Annie Chkhartishvili
                                       La ironía de la identidad

 

 

Esta exposición colectiva reúne una selección de cuatro artistas del tejido local cuyos trabajos se entrecruzan en un mismo punto: el de la experimentación con materiales fotográficos para lograr una alteración en el entorno o dentro de la propia imagen. En algunos de los casos la idea surge del proceso transformador de materiales sólidos a líquidos, y que estos a su vez, se conviertan en mecanismos reveladores no sólo de imágenes. En otros se abarca la temática de la identidad experimentando con componentes y técnicas que aceleran el proceso creativo.

 

 

Annie Chkhartishvili (Georgia, 2001) – ‘Pliegues’

En esta serie Chkhartishvili experimenta con la fotografía instantánea e intenta llevar la fotografía más allá de sus límites con una técnica llamada ‘Polaroid Emulsion Lift’, en la que la película se despega y el panel frontal transparente se sumerge en agua tibia para liberar la capa de emulsión del plástico. Estas emulsiones pueden colocarse en varios papeles u otros materiales. El trabajo parte de una serie de imágenes en las que la autora busca capturar diferentes matices del claroscuro, volúmenes y formas que le rodean. Mientras la emulsión está húmeda, se puede trabajar con un pincel o con los dedos, crear o eliminar arrugas y darles diferentes texturas y formas.

Su interés hacia el mundo artístico se incrementó tras mudarse a Vitoria-Gasteiz en su adolescencia. En 2020 se trasladó a Bilbao donde reside actualmente y cursa tercero de Creación y Diseño en la Universidad de la UPV. Al comienzo de sus estudios, Annie centró su práctica en la fotografía. Durante los dos primeros años de la carrera trabajó en proyectos personales, retratos y fotografía de la calle, llevando a cabo experimentaciones sobre la imagen y las posibilidades de la fotografía en el ámbito de técnicas mixtas. En junio de 2022 formó parte de la exposición del Certamen Arte Vital.

A todas estas propuestas también se une el uso del movimiento -controlado o incontrolado- como puente de cohesión entre lo que era entonces y lo que es ahora, no sin antes reinterpretar el recuerdo y alterarlo hasta conseguir que se transforme.

 

 

 

Raquel Echevarría (Vitoria-Gasteiz) – ‘Radiografías del Ser’

Su proyecto fotográfico ahonda en el movimiento del cuerpo y sus beneficios emocionales a través del baile. Este recorrido impulsa la conciencia corporal con el objetivo de crear un movimiento libre en su propia expresión. En esencia, se trata de una oda hacia la liberación del peso emocional en la mujer. Mediante la superposición de cuerpos, la autora habla del ejercicio introspectivo y expresivo que se genera gracias al movimiento. Para ello emplea materiales flexibles y transparentes que reflejan la plasticidad de una relación infinita.

En su trabajo combina imágenes con piezas audiovisuales, collage y escritura en forma de poesía. Su medio es la fotografía analógica y a día de hoy su mayor interés se centra en el retrato y la expresión del cuerpo femenino. Estudió diseño de moda y en 2016 se trasladó a Madrid para estudiar Comunicación e Imagen de Moda; allí hizo prácticas en una productora como estilista en videoclips. En el año 2019, le concedieron una beca Global Training para continuar su carrera profesional como fotógrafa y videógrafa en Bruselas (Bélgica), donde reside actualmente.

Su carrera está muy influenciada por su formación en moda, gracias a la que comienza a apreciar las formas, los colores y la luz. Todos estos estímulos reforzaron su ya existente interés por la fotografía, ayudándole a encontrar en este medio un lenguaje para dar voz a todo aquello que le inquieta.

 

 

Rubén Beca (Vitoria-Gasteiz, 1897) – ‘La lluvia que no cala’

“Llevo tiempo observando la explicitud con la que los medios de comunicación tratan la imagen para dar cuerpo a las noticias; en vez de sensibilizar, se consigue adormilar a la sociedad cual agua de lluvia que no cala”. Esta instalación consta de cuatro fotografías tomadas con cámaras clásicas de los años 30 y 50, como el material usado por los reporteros de guerra clásicos. En cada una de las imágenes se ve una noticia de la guerra entre Rusia y Ucrania en cuatro lugares muy frecuentados de Vitoria-Gasteiz, en ellas se ve a los transeúntes pasando de largo. La obra se acabará el día de la inauguración a los ojos del espectador, virando las imágenes con café, rociado como lluvia encima de las fotografías. “Con esta obra quiero hacer reflexionar al espectador sobre el poco impacto que nos provoca ver hoy en día las imágenes cruentas de las noticias y cómo influye esto en el pasotismo de la sociedad”.

Beca es artista, ingeniero y diseñador aeronáutico y desde siempre ha tenido inquietud por observar y crear, ligando su profesión con el arte. En su obra se delatan las manos de un ingeniero mecánico, tanto por los materiales utilizados, como el acero, como por la forma de conformarlas. Son procesos de creación estructurados y ordenados para poder realizar esculturas de gran formato. Los inicios de su carrera artística fueron en la escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. “Con mi arte quiero despertar en el individuo una reflexión crítica sobre los temas sociales que trato en mis obras: la migración, la prostitución, la lucha de clases, la contaminación global, la influencia de los medios de comunicación, la discriminación de género, etc.”

 

 

Saúl Vara (Vitoria-Gasteiz, 1989) – ‘Caos’

Mediante la abstracción y descontextualización de elementos naturales y cotidianos el trabajo fotográfico conceptual de Vara busca abrir una pequeña ventana al caos, ese “orden aún por descifrar”, desde la cual poder observarlo y pensarlo. La atmósfera tenue e introspectiva creada invita a sumergirse en el complejo entramado de sistemas caóticos que nos conforma. El caos pasa a convertirse así en la máxima custodia del asombro, de ese enigma que da vida a la vida.

En su recorrido fotográfico Saúl Vara ha desarrollado varios proyectos individuales y colectivos. Actualmente cursa el último año de fotografía de la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz. Ha expuesto su trabajo en las dos ediciones del festival vitoriano “IN SITU ArtFestival” (2021/2022), y este año ha sido seleccionado para formar parte de la exposición colectiva de FotoArte. En marzo de 2021, expuso en Zas Kultur Espazioa, los ‘artefactos’ resultantes del taller colectivo ‘Ser libro’, dirigido por Julián Barón.

‘Romper la piedra’ se podrá visitar en el Centro de Exposiciones Fundación Vital (Postas 13-15, Vitoria-Gasteiz) del 11 de noviembre al 11 de diciembre, de martes a sábado en horario de 10:30 a 13:00 y de 18:00 a 20:30 y los domingos y festivos de 10:00 a 14:00. La entrada es libre.

Visitas guiadas ℹ️ Bisita Gidatuak
Noviembre 18 Azaroa – 19:00-19:30
Inscripción gratuita
Doako izen-ematea

www.fundacionvital.eus/eu

 

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